La figure du metteur en scène s'impose définitivement comme l'artiste central, auteur du spectacle à part entière, avec des personnalités aussi marquantes qu'Antoine Vitez, Patrice Chéreau, Peter Brook, Ariane Mnouchkine et le Théâtre du Soleil, ou encore Roger Planchon. Les années 1970 voient également l'apogée du théâtre du quotidien porté par des auteurs comme Michel Vinaver ou Jean-Paul Wenzel, qui fragmentent la scène pour y inscrire les réalités sociales et le langage ordinaire.

L'influence des penseurs des années 1960-1970, tels que Barthes, Foucault ou Derrida, se fait sentir à travers un théâtre qui interroge ses propres codes, ses rapports au texte et à la représentation. Le texte dramatique n'est plus considéré comme sacré, mais comme une matière à déconstruire. 

Cette période est aussi celle de l'émergence de nouvelles écritures scéniques, souvent non textuelles ou très physiques. La danse-théâtre et les arts de la rue commencent à brouiller les frontières disciplinaires. 

Parallèlement, un certain nombre d'auteurs renouvellent profondément l'écriture dramatique, avec des figures comme Bernard-Marie Koltès, dont l'œuvre poétique et métaphorique, portée par des metteurs en scène comme Chéreau, conquiert une audience internationale. D'autres, tels que Jean-Luc Lagarce, Philippe Minyana ou Olivier Py, développent une langue entre confidence autobiographique et mise à distance, qui ne sera pleinement reconnue que dans les années 1990 et au-delà.

Les années 1980 et 1990 sont caractérisées par un essor considérable des festivals (Avignon, Festival d'Automne à Paris) qui deviennent des lieux incontournables de la visibilité et de l'expérimentation. La direction d'Antoine Vitez à la tête du Théâtre National de Chaillot, puis son passage à la Comédie-Française, symbolisent une ouverture institutionnelle à des formes plus contemporaines et politiques. Le paysage s'enrichit de nouvelles compagnies indépendantes, souvent issues de la décentralisation, qui privilégient un travail collectif et un rapport plus direct avec les communautés locales. 

Le Théâtre du quotidien.
L'émergence, dans les années 1970, du théâtre du quotidien s'inscrit dans un contexte politique et social de l'après-Mai-68, la remise en cause des hiérarchies culturelles et la volonté de rapprocher l'art de la vie ordinaire. L'expression de théâtre du quotidien, elle-même, recouvre des pratiques diverses, mais unifiées par le refus d'un théâtre jugé bourgeois, littéraire ou élitiste, et par l'attention portée aux gestes, aux paroles et aux situations de la vie courante. Ce théâtre privilégiera plutôt des récits fragmentaires, des dialogues proches de l'oralité, et des personnages issus des classes populaires ou des marges sociales. Il s'agit moins de représenter de grands conflits tragiques que de donner forme à l'expérience vécue, au travail, à la famille, à la rue, à l'usine ou à l'immeuble.

• Michel Deutsch (né en 1948) traite du quotidien à travers le prisme de l'histoire et de la violence sociale. Son écriture se caractérise par une forte dimension intellectuelle, un questionnement constant sur la représentation, le langage et les conditions de possibilité du théâtre contemporain. Il s'intéresse aux formes discursives, aux dispositifs scéniques et à la manière dont le théâtre peut rendre compte des mutations du monde moderne. Son oeuvre refuse la narration linéaire et recourt à des formes parfois proches de l'essai dramatique. Parmi ses textes significatifs, on peut citer Dimanche (1974), Convoi (1980), La Bonne Vie (1977), qui témoignent de son dialogue critique avec la tradition théâtrale et politique, souven présente chez lui en filigrane. 

• Jean-Paul Wenzel (né en 1947) est un auteur, metteur en scène et acteur profondément marqué par les questions sociales, historiques et territoriales. Son travail est généralement ancré dans des réalités locales, rurales ou ouvrières, et s'inscrit dans une démarche de théâtre politique au sens large, attentive aux mémoires collectives et aux voix marginalisées. Il privilégie un théâtre narratif, accessible, mêlant témoignage, fiction et réflexion historique, avec un fort souci de transmission. Il a notamment travaillé sur la mémoire de la Seconde Guerre mondiale, les mutations du monde rural et les conséquences sociales de l'industrialisation. Parmi ses Å“uvres les plus marquantes figurent Loin d'Hagondange (1975, pièce fondatrice sur un couple d'ouvriers vieillissants) ou Faire bleu (1999)  qui illustrent son engagement pour un théâtre ancré dans le réel et proche des publics. 

• Michel Vinaver (1927-1922) est l'une des grandes figures du théâtre contemporain français, à la fois par son oeuvre dramatique et par sa réflexion théorique sur l'écriture. Son travail se caractérise par une attention aiguë aux mécanismes économiques, sociaux et politiques du monde contemporain, souvent inspirés de situations réelles ou de faits divers. Il développe une écriture fragmentée, polyphonique, faite de montages, de ruptures et de superpositions de discours, qui refuse la psychologie traditionnelle au profit d'une dramaturgie du langage et des structures sociales. Son théâtre met en scène des individus pris dans des systèmes qui les dépassent, notamment le monde de l'entreprise, de la finance ou des médias. Parmi ses oeuvres les plus représentatives figurent Les Travaux et les Jours (1979), Par-dessus bord (1972), vaste fresque sur l'entreprise capitaliste, La Demande d'emploi (1971) ou encore 11 septembre 2001 (2002), qui illustre son intérêt pour l'actualité et sa transformation poétique par le théâtre. 

• Michèle Foucher est une figure moins médiatisée mais importante du théâtre contemporain, notamment par son travail d'écriture et de transmission, comme comédienne ou metteuse en scène. Son théâtre s'attache aux relations humaines, aux trajectoires individuelles et aux tensions entre l'intime et le social. Elle développe une écriture sensible, épurée, qui accorde une place centrale à la parole et à la mémoire. Son oeuvre s'inscrit dans une recherche de justesse émotionnelle et de sobriété formelle, mettant en avant des personnages ordinaires confrontés à des situations de rupture ou de crise. Ses textes, joués dans des circuits souvent proches du théâtre public, participent à une réflexion sur l'identité, le temps et la fragilité des liens. On lui doit en particulier : La Table, paroles de femmes (1977) et En souffrance, paroles d'hommes (1981).

L'ère des metteurs en scène.
Les années1980 sont un âge d'or pour la mise en scène, qui s'affirme comme un art à part entière, distinct de la simple interprétation d'un texte. Le metteur en scène devient l'auteur du spectacle, le véritable créateur qui assemble texte, espace, jeu des acteurs, lumière et son. Cette période voit se consolider l'héritage des grands révolutionnaires des décennies précédentes (Vilar, Barrault) et l'épanouissement de fortes personnalités. 

• Patrice Chéreau (1944-2013) est l'un des metteurs en scène majeurs du XX^e siècle, reconnu pour l'intensité émotionnelle et la dimension politique de son travail. Il cherche à révéler les conflits de pouvoir, les tensions sociales et les violences enfouies au cœur des oeuvres, qu'elles soient classiques ou contemporaines. Sa direction d'acteurs, extrêmement précise, met en valeur la fragilité et la complexité psychologique des personnages. Chéreau a profondément renouvelé la mise en scène des classiques (Shakespeare, Racine, Marivaux) et a contribué à la reconnaissance d'auteurs contemporains comme Koltès. Parmi ses mises en scène marquantes figurent La Dispute (1973), Peer Gynt (1983), Hamlet (1988), Phèdre (2003) et Dans la solitude des champs de coton (1987).

• Antoine Vitez (1930-1990) conçoit le théâtre comme un "élitisme pour tous", visant à rendre accessibles les oeuvres les plus exigeantes. Son travail se caractérise par une grande rigueur intellectuelle, une attention extrême au texte et une scénographie souvent épurée, laissant place à l'imaginaire du spectateur. Vitez aborde aussi bien les auteurs classiques que contemporains, en cherchant à faire entendre la modernité de leurs écritures. Il accorde une place centrale à la transmission et à la pédagogie, notamment à travers son travail au Conservatoire et à la Comédie-Française. Parmi ses mises en scène emblématiques figurent Électre (1966, 1971), Le Soulier de satin (1987) et La Vie de Galilée (1990).

• Ariane Mnouchkine (née en 1939), fondatrice en 1964 et directrice du Théâtre du Soleil,  installé à la Cartoucherie de Vincennes, développe un théâtre collectif fondé sur la coopération artistique, la recherche au long cours et l'engagement politique. Le Théâtre du Soleil privilégie les créations collectives, l'inspiration puisée dans les formes théâtrales du monde entier (théâtre oriental, commedia dell'arte, tragédie grecque) et une relation étroite avec le public. Les spectacles se distinguent par une grande inventivité visuelle, un travail corporel intense et une réflexion sur l'histoire et l'actualité. Parmi les créations majeures figurent 1789 (1970), Les Atrides (1990-1992), Tambours sur la digue (1999) et La Ville parjure ou le Réveil des Érinyes (1994).

• Peter Brook (1925-2022) développe une réflexion fondamentale sur l'essence du théâtre, qu'il conçoit comme un art de la simplicité et de la présence. Il cherche à dépouiller la scène de tout artifice inutile afin de se concentrer sur la relation entre l'acteur et le spectateur. Son travail est profondément marqué par la recherche interculturelle et spirituelle, ainsi que par l'improvisation. Brook revisite les classiques en en révélant la portée universelle, tout en explorant des formes narratives issues d'autres cultures. Ses réalisations majeures incluent Marat/Sade (1964), La Tempête (1990), La Conférence des oiseaux (1979) et Le Mahabharata (1985).

• Roger Planchon (1931-2009) est un metteur en scène et directeur de théâtre engagé dans la décentralisation culturelle et dans la démocratisation de l'accès au théâtre. Son travail se caractérise par une relecture politique et historique des oeuvres, mettant en lumière les rapports de classe et les mécanismes du pouvoir. Planchon privilégie une mise en scène claire, souvent spectaculaire, au service de la compréhension du texte et du propos. Il a joué un rôle essentiel dans le développement du Théâtre National Populaire à Villeurbanne. Parmi ses mises en scène et adaptations les plus représentatives figurent Le Tartuffe (1973), George Dandin (1987), Occupe-toi d'Amélie (1995) et Le Triomphe de l'amour (1996).

• Jorge Lavelli (né en 1932) est un metteur en scène franco-argentin qui a profondément marqué le théâtre public français à partir des années 1970. Son travail se caractérise par une grande rigueur formelle, une attention portée à la scénographie et à la direction d'acteurs, ainsi qu'un intérêt marqué pour les auteurs contemporains et les réécritures de textes classiques. Directeur du Théâtre national de la Colline entre 1987 et 1996, il a contribué à faire de ce lieu un espace majeur de la dramaturgie contemporaine. Il a notamment mis en scène des oeuvres de Copi, Marguerite Duras, Witold Gombrowicz ou Samuel Beckett, et développé un théâtre exigeant, visuellement fort et intellectuellement engagé.

• Bernard-Marie Koltès (1948-1989) développe une oeuvre dramatique marquée par une langue ample, rythmée, fortement poétique, souvent construite comme une adresse directe à l'autre. Son théâtre questionne les les rapports de domination, le désir, l'exclusion sociale et la solitude dans un monde traversé par la violence économique et coloniale. Les personnages sont fréquemment placés dans des situations de face-à-face tendus, où la parole devient un combat. Influencé par le jazz, par le théâtre élisabéthain et par ses voyages (notamment en Afrique et en Amérique latine), Koltès conçoit le texte comme une partition orale. Parmi ses oeuvres les plus représentatives figurent Combat de nègre et de chiens (1979), Dans la solitude des champs de coton (1985), Quai Ouest (1985), Le Retour au désert (1988) et Roberto Zucco (1988).

• Jean-Luc Lagarce (1957-1995) propose un théâtre de l'intime et de la parole empêchée, centré sur la difficulté à dire, à se dire et à être entendu. Son écriture se caractérise par des phrases longues, répétitives, sinueuses, faites de reprises, de corrections et d'hésitations, traduisant l'écart entre ce que les personnages veulent dire et ce qu'ils parviennent réellement à formuler. Les thèmes de la famille, du retour, de la mort et de la mémoire sont centraux, souvent traités avec une distance ironique. Longtemps peu reconnu de son vivant, Lagarce est aujourd'hui l'un des auteurs contemporains les plus joués. Ses pièces majeures sont Juste la fin du monde (1990), Les Règles du savoir-vivre dans la société moderne (1994), J'étais dans ma maison et j'attendais que la pluie vienne (1994) et Le Pays lointain (1995).

• Philippe Minyana (né en 1946) développe un théâtre du quotidien et de la marginalité, où la parole brute, fragmentée, parfois violente, restitue des existences ordinaires ou brisées. Son écriture privilégie l'oralité, les accumulations, les ruptures de ton, et donne une grande place aux récits et aux confessions. Les personnages, souvent issus de milieux populaires, parlent pour survivre, pour témoigner ou pour se souvenir. Minyana s'intéresse à la mémoire individuelle et collective, à la vieillesse, à la sexualité, à la mort, sans pathos mais avec une forme de crudité lucide. Parmi ses textes emblématiques figurent Chambres (1987), Inventaires (1993) et La Maison des morts (1996).

• Olivier Py (né en 1965) est à la fois auteur, metteur en scène et acteur, et son théâtre se distingue par une ambition lyrique et politique affirmée. Son écriture, foisonnante et souvent prolixe, mêle références philosophiques, religieuses et mythologiques, tout en interrogeant la sexualité, le pouvoir, la foi et la marginalité. Py revendique un théâtre de la parole et du débat, où la scène devient un espace de confrontation idéologique. Son travail de mise en scène est marqué par une grande stylisation, une forte présence des corps et une attention particulière à la musicalité du texte. Parmi ses oeuvres représentatives figurent La Servante (1995), Le Visage d'Orphée (1997) et L'Apocalypse joyeuse (2000).

• Noëlle Renaude (née en 1949) développe une dramaturgie expérimentale qui remet en question les formes traditionnelles du dialogue et de la narration. Son écriture fragmente l'identité des personnages, multiplie les voix et brouille les repères temporels et spatiaux. Elle s'intéresse à l'épuisement du langage, aux micro-événements du quotidien et à la difficulté de structurer le réel par le récit. Le texte devient souvent une matière ouverte, que la mise en scène doit réinventer. Son oeuvre, exigeante et novatrice, comprend notamment Ma Solange, comment t'écrire mon désastre, Alex Roux (1996-1998), Madame Ka (1999) et Ceux qui partent à l'aventure (2006).

• Valère Novarina (1942-2026) occupe une place singulière dans le paysage théâtral par son rapport radical au langage. Son théâtre repose sur une exploration poétique, philosophique et souvent burlesque de la parole, envisagée comme une matière vivante, débordante, capable de créer le monde autant que de le détruire. Il refuse le réalisme et la psychologie au profit d'un théâtre de la profusion verbale, de l'invention lexicale et de la pensée en acte. Les acteurs deviennent chez lui des corps traversés par la langue, engagés dans une performance vocale et physique extrême. Parmi ses oeuvres majeures figurent Le Drame de la vie (1984), Le Discours aux animaux (1987), La Chair de l'homme (1995) et L'Acte inconnu (2007), qui illustrent son ambition métaphysique et son humour iconoclaste.

Le théâtre de rue.
Le théâtre de rue se développe fortement à partir des années 1970 avec des compagnies qui investissent l'espace public comme lieu de représentation à part entière. Les rues, places, parcs ou friches urbaines deviennent des scènes ouvertes, permettant de toucher des publics éloignés des salles traditionnelles et de rompre avec le cadre frontal du théâtre à l'italienne. Les spectacles privilégient des formes visuelles, corporelles et musicales, accessibles sans prérequis culturel, et abordent des thématiques sociales ou politiques de manière allégorique ou burlesque. Ce théâtre repose fréquemment sur une esthétique du spectaculaire, de la déambulation et de l'improvisation, tout en revendiquant une dimension collective et participative.

Le théâtre de création collective.
Parallèlement, le théâtre de création collective s'impose comme une alternative majeure aux modèles fondés sur l'autorité du metteur en scène ou de l'auteur. Inspiré par les idéaux autogestionnaires et égalitaires de l'après-68, ce type de théâtre repose sur un travail d'élaboration du spectacle à partir des improvisations, des expériences et des réflexions du groupe. Le texte n'est plus nécessairement premier : il peut émerger du plateau, se transformer au fil des répétitions ou rester ouvert et modulable. Cette démarche remet en question la notion d'oeuvre figée et valorise le processus de création autant que le résultat. Elle favorise également une forte implication des comédiens, qui deviennent à la fois interprètes, auteurs et parfois scénographes. Le Théâtre du Soleil s'inscrit dans cette approche.

Le théâtre militant et politique.
En dehors des circuits institutionnels, de nombreuses troupes s'attachent aussi à faire du théâtre un outil de conscientisation et d'intervention sociale. Les spectacles sont souvent joués dans des lieux non théâtraux : usines, foyers de travailleurs, lycées, prisons ou quartiers populaires. Les thèmes abordés concernent les luttes ouvrières, le féminisme, l'antiracisme, la critique du capitalisme ou des institutions étatiques. Le langage scénique se veut direct, parfois didactique, privilégiant la clarté du message à la sophistication formelle, tout en s'inspirant de traditions comme le théâtre épique ou l'agit-prop.

Le théâtre expérimental ou de performance scénique.
Les années 1980 et 1990 voient également l'essor de formes hybrides qui mêlent théâtre, danse, performance, cirque contemporain et arts plastiques. Ces pratiques cherchent à dépasser les frontières disciplinaires. Le corps de l'acteur devient un matériau central, au même titre que la voix, l'espace ou les objets. Les spectacles peuvent être fragmentaires, non narratifs, et privilégier l'expérience sensorielle du spectateur. Cette recherche formelle s'accompagne d'un rejet des codes psychologiques du jeu réaliste et d'un intérêt pour des dramaturgies éclatées, parfois inspirées de la poésie, de la musique contemporaine ou des avant-gardes artistiques.

Les festivals de théâtre.
La France occupe une place centrale dans le paysage théâtral européen grâce à un réseau dense de festivals qui jouent un rôle décisif dans la création, la diffusion et la légitimation des formes contemporaines. 

Le Festival d'Avignon.
Le Festival d'Avignon demeure la référence majeure. Fondé en 1947 par Jean Vilar, il connaît, à partir des années 1970, une transformation profonde. Après les événements de 1968, qui avaient entraîné l'annulation de l'édition, le festival s'ouvre davantage aux écritures contemporaines, aux formes expérimentales et aux metteurs en scène étrangers. Sous la direction de Bernard Faivre d'Arcier (1980-1984 puis 1993-2003), Avignon devient un laboratoire international où se croisent Peter Brook, Patrice Chéreau, Ariane Mnouchkine, Klaus Michael Grüber, Heiner Müller ou encore Romeo Castellucci à la fin des années 1990. Le développement parallèle du "Off ", initié au milieu des années 1960 mais en pleine expansion dans les années 1970-1980, transforme Avignon en une ville-théâtre totale, favorisant l'émergence de jeunes compagnies, d'esthétiques alternatives et de nouvelles relations entre artistes et publics.

Le Festival d'Automne.
Le Festival d'Automne à Paris, créé en 1972 par Michel Guy, constitue un autre pôle essentiel. Pluridisciplinaire mais très marqué par le théâtre et la danse, il joue un rôle déterminant dans l'introduction en France de grandes figures internationales (Bob Wilson, Pina Bausch, Tadeusz Kantor) et dans le soutien aux avant-gardes. Il s'inscrit dans une logique de décentralisation esthétique plutôt que géographique, proposant aux spectateurs parisiens un panorama exigeant des recherches contemporaines.

Le Festival de Nancy.
Dans un registre différent, le Festival de Nancy, dirigé par Jack Lang jusqu'au début des années 1980, se distingue par son orientation résolument internationale et politique. Très actif dans les années 1970, il accueille des troupes venues d'Europe de l'Est, d'Amérique latine ou d'Asie, et devient un espace de confrontation entre théâtre et idéologies, en phase avec les débats intellectuels de l'époque.

Les autres festivals.
D'autres festivals structurent durablement le territoire. Les Francophonies en Limousin, créées en 1984 à Limoges, se consacrent à la promotion des écritures francophones contemporaines, donnant une visibilité nouvelle à des auteurs d'Afrique, des Caraïbes ou du Canada. Le Festival d'Alès, le Printemps des Comédiens à Montpellier (fondé en 1987), ou encore le Festival de théâtre de rue d'Aurillac (créé en 1986) témoignent de l'élargissement des formes théâtrales reconnues, notamment hors des salles traditionnelles. 

Ailleurs dans l'espace francophone.
Dans de nombreuses régions francophones, le théâtre devient un lieu privilégié de réflexion sur la langue, l'histoire, la mémoire collective et les rapports de pouvoir, tout en s'émancipant progressivement des modèles dramaturgiques français traditionnels. a langue française y est à la fois un héritage problématique et un outil de création, transformé, adapté et parfois contesté. Les dramaturgies se diversifient, les formes se renouvellent et le théâtre devient un lieu central de débat sur l'identité et la mémoire. La période contribue de manière décisive à la reconnaissance d'un théâtre francophone pluriel, qui ne se définit plus en référence exclusive au modèle français, mais comme un ensemble de pratiques artistiques riches, autonomes et profondément ancrées dans leurs contextes sociaux et historiques.

Canada.
Au Québec, le dernier quart du XX^e siècle correspond à une véritable consolidation du théâtre national amorcée dans les années 1960. La question linguistique y occupe une place centrale, notamment à travers l'usage du joual (une variété populaire du français québécois) et d'un français québécois assumé sur scène. Les dramaturges cherchent à représenter la réalité sociale, politique et culturelle du Québec contemporain, en lien avec les bouleversements provoqués par la Révolution tranquille et les débats sur la souveraineté. Michel Tremblay joue ici un rôle déterminant. Parallèlement, d'autres auteurs et metteurs en scène abordent des formes plus symboliques ou poétiques, tout en maintenant une réflexion sur l'histoire collective, la famille, la religion et la modernité. Les institutions théâtrales se structurent, les compagnies se multiplient et le théâtre québécois acquiert une reconnaissance internationale croissante

• Michel Tremblay (né en 1942) s'impose comme une figure centrale. Son oeuvre marque durablement le théâtre francophone par l'usage du joual et la représentation de milieux populaires longtemps absents de la scène. Des pièces comme Les Belles-Soeurs (1968), À toi, pour toujours, ta Marie-Lou (1971) ou Albertine, en cinq temps (1984) proposent une plongée profonde au coeur de la famille, de la condition féminine, de la mémoire et de l'aliénation sociale. Tremblay contribue à faire du théâtre québécois un espace de reconnaissance identitaire. 

• Michel Marc Bouchard (né en 1958) développe à partir des années 1980 un théâtre plus lyrique et symbolique, centré sur les thèmes du désir, de la marginalité et du secret, comme dans Les Feluettes ou La répétition d'un drame romantique (1984) ou Les Muses orphelines (1988).

• Normand Chaurette (1954-2022), quant à lui, renouvelle l'écriture dramatique par une langue dense et poétique, fragmentée, visible notamment dans Provincetown Playhouse, juillet 1919, j'avais 19 ans (1981) ou Le Passage de l'Indiana (1996), où la réflexion sur la parole et la fiction devient centrale.

• Jean Louvet (1934-2015) occupe une place importante avec un théâtre engagé, attentif aux réalités sociales et politiques de la Wallonie industrielle. Des oeuvres comme Conversation en Wallonie (1978) interrogent la mémoire collective et la crise du monde ouvrier. 

• Philippe Blasband (né en 1964) fait partie ders auteurs qui expérimentent  à partir des années 1980 une écriture plus fragmentée et contemporaine, volontiers marquée par l'ironie et le questionnement identitaire, comme dans Les Mangeuses de chocolat (1999). 

• Jan Fabre (né en 1958) un metteur en scène qui travaille souvent au-delà du texte dramatique traditionnel, influence profondément le paysage théâtral belge par un théâtre du corps, de la performance et de la provocation, et contribue, avec d'autres, engagés sur la même voie, à redéfinir les frontières du théâtre francophone.

Afrique.
Dans les pays d'Afrique francophone des années 1970 à 2000, le théâtre est étroitement lié aux enjeux postcoloniaux. Il constitue un espace de critique sociale et politique, où sont interrogées les conséquences de la colonisation, les régimes autoritaires, la corruption, les conflits entre traditions et modernité, ainsi que les rapports entre l'Afrique et l'Occident. Les dramaturges africains utilisent le français de manière inventive, fréquemment mêlé à des langues locales, à des proverbes, à des chants et à des formes narratives issues de l'oralité. Cette hybridation donne naissance à un théâtre profondément ancré dans les cultures locales tout en s'adressant à un public international. Le théâtre devient aussi un outil pédagogique et militant, parfois confronté à la censure ou à des difficultés matérielles importantes, mais porté par une forte vitalité créatrice.

• Sony Labou Tansi (1947-1995), originaire du Congo, est l'un des dramaturges les plus marquants de cette période. Son théâtre, à la fois violent, poétique et satirique, dénonce les dérives du pouvoir et l'absurdité des régimes autoritaires, notamment dans sa pièce de théâtre La Parenthèse de sang (1981) ou dans son roman L'État honteux (1981). Sa langue inventive, volontairement excessive, rompt avec le français normatif et reflète le chaos politique et moral qu'il décrit. 

• Werewere-Liking (née en 1950), autrice et metteuse en scène camerounaise, développe un théâtre rituel et communautaire, qui mêle poésie, musique et traditions africaines, comme dans La Puissance de Oum (1979). Son travail s'inscrit dans une réflexion sur la mémoire, la place des femmes et la reconstruction culturelle postcoloniale. 

• Koffi Kwahulé (né en 1956), originaire de Côte d'Ivoire, propose à partir des années 1990 une dramaturgie fortement influencée par le jazz, et caractérisée par la musicalité du texte et la fragmentation narrative, visible dans des pièces comme Cette vieille magie noire (1993) ou Bintou (2003), qui interrogent la violence urbaine et l'exil.

• Aimé Césaire (1913-2008) reste une référence majeure dont l'influence se prolonge bien au-delà des années 1970 dans les Caraïbes francophones. Une tempête (1969), réécriture de Shakespeare à partir d'une perspective anticoloniale, continue d'être largement jouée et commentée. 

• Daniel Boukman (né en 1936), en Martinique, développe un théâtre engagé et militant, étroitement lié aux luttes politiques et culturelles antillaises, utilisant le créole et des formes populaires. 

• Frankétienne (1936-2025) occupe une place centrale en Haïti avec un théâtre foisonnant et expérimental, qu'il nomme spiralisme. Des oeuvres comme Pèlin-Tèt (1975) ou Totolomannwèl (1986) mêlent créole et français, chaos verbal et critique sociale, pour représenter la violence politique, la misère et la résistance du peuple haïtien.