La plupart des pièces et des auteurs représentatifs du théâtre de l'absurde sont européens.  Mais ce théâtre s'est aussi développé bien au-delà, en Asie comme en Amérique. Il reprend les thèmes principaux du mouvement européen : l'aliénation, l'absurdité de la condition humaine, et la communication fragmentée, et y ajoute le filtré des contextes culturels spécifiques de chaque région. En Asie, le théâtre de l'absurde a intégré des éléments de la culture traditionnelle et des réalités sociopolitiques contemporaines. Au Japon, l'influence du zen et des philosophies orientales peut se retrouver dans l'approche minimaliste et introspective de certaines oeuvres. En Chine, le théâtre de l'absurde a été utilisé pour critiquer les régimes politiques et la répression. En Amérique, le théâtre de l'absurde a été utilisé pour traiter des thèmes de la solitude, de l'aliénation urbaine et des dynamiques de pouvoir, avec une attention particulière aux questions sociales et politiques contemporaines.

Le mouvement a été influencé par les philosophies existentialistes et nihilistes, en particulier par les œuvres d'Albert Camus et Jean-Paul Sartre. Camus, dans son essai Le Mythe de Sisyphe (1942), a exploré l'idée de l'absurdité de la condition humaine, une idée qui résonne profondément dans le théâtre de l'absurde.

Dans les pièces qui relèvent du théâtre de l'absurde, les dialogues sont déstructurés, répétitifs, et illogiques, reflétant l'incommunicabilité et l'absurdité du langage humain. Les pièces elles-mêmes n'ont pas de structure narrative traditionnelle avec un début, un milieu et une fin clairs. Elles peuvent sembler incohérentes et désordonnées. Les personnages sont volontiers des archétypes ou des figures symboliques plutôt que des individus pleinement développés. Ils peuvent sembler dépourvus de but ou de motivation.

Les thèmes centraux incluent l'absurdité de la vie, la futilité de l'effort humain, l'aliénation. Les pièces abordent souvent la quête de sens dans un monde insensé. L'humour dans le théâtre de l'absurde est souvent noir et grotesque. Il souligne l'incohérence et la déraison du monde.

À ses débuts dans les années 1950, le théâtre de l'absurde a généralement été accueilli avec confusion et scepticisme. Le public et les critiques ne savaient pas comment interpréter ces pièces qui défiaient les conventions narratives et logiques traditionnelles. Certaines critiques ont dénoncé ce théâtre comme étant trop obscur et élitiste. D'autres, en revanche, ont salué son innovation et sa capacité à saisir l'angoisse existentielle de l'après-guerre. Des critiques comme Martin Esslin ont été déterminantes pour faire accepter ce mouvement, en le théorisant et le défendant dans son ouvrage The Theatre of the Absurd (1961).

Au fil du temps, le théâtre de l'absurde a gagné en reconnaissance. Des oeuvres comme En attendant Godot de Beckett ou la Cantatrice chauve de Ionesco sont devenues des classiques et ont été largement étudiées et appréciées pour leur profondeur philosophique et leur innovation stylistique. Les pièces de l'absurde ont été traduites et montées dans le monde entier, attirant l'attention sur la condition humaine universelle et les défis de la communication.

Le théâtre de l'absurde a jeté les bases du théâtre postmoderne, caractérisé par l'ironie, la fragmentation, et le mélange des genres. Des éléments de l'absurde ont également été intégrés dans le théâtre de l'incongruité et du surréalisme, avec des dramaturges comme Harold Pinter et Tom Stoppard. Il a eu, par ailleurs un impact sur la mise en scène et l'interprétation. Le théâtre de l'absurde, qui recourt ordinairement à des décors minimalistes et à des mises en scène dépouillées,  a influencé les pratiques de mise en scène contemporaines. L'accent est mis sur l'acteur et le texte plutôt que sur des productions élaborées. En mettant les personnages dans des situations absurdes, ce théâtre a aussi mis en avant la performance de l'acteur, sa capacité à naviguer dans des dialogues et des situations dépourvues de logique apparente, augmentant ainsi la complexité et la profondeur de l'interprétation théâtrale.